Interview by The Cisneros Research Institute for the Study of Art from Latin America, The Museum of Modern Art, New York

July 28, 2020

[Versión en Español más abajo] 

 

Last May, I spoke with Madeline Turner of the Cisneros Research Institute at the Museum of Modern Art, New York about three of my photographs--The Most Dangerous City in the WorldPurple Haze and Lights On--that entered MoMA's collection as part of the 2017 gift of contemporary Latin American art donated by Patricia Phelps de Cisneros

 

Directed by Inés Katzenstein, The Cisneros Research Institute is a platform dedicated to stimulating, supporting, and disseminating new understandings of Latin American modern and contemporary art in relationship to broader cultural issues within a global context.

 

The following interview was originally conducted in Spanish.

 

 

 

 

 

 

To begin with, I'd like to ask you if you could talk to me about how you conceived The Most Dangerous City in the WorldPurple Haze, and Lights on. What inspired you to make the Crepuscular (Twilight) series? Are the three images of Caracas? How did you manage to photograph these vistas?

 

 

I started taking photos in 2004, with self-portraits and autobiographical themes as the main motivations. In 2006, I met the German photographer Axel Hütte in Madrid. He would become my teacher and mentor, and thanks in large part to his influence, I began to be interested in landscape photography, especially in night and urban landscapes. Thanks to his advice and help, in 2009 I acquired a Phase One 645DF medium format digital camera and began taking night and landscape photographs that allowed me to print, albeit not on a large scale, at a relatively large size and high quality (90 x 120 cm). I was interested in the possibility of portraying my city at the time, Caracas, and exploring the landscape, a subject that had lost interest in the Venezuelan contemporary art scene, despite the fact that it was the recurring theme of the painters of the Fine Arts Circle of Caracas (Círculo de Bellas Artes de Caracas) at the beginning of the 20th century and especially of its most important exponent, Armando Reverón. I decided to investigate not only Caracas but those cities that I traveled through to explore and rethink the contemporary landscape, positioning myself from unusual vantage points with the intention of finding new urban views to offer a new interpretation and perspective of them. With this approach, I photographed not only several cities in Venezuela such as Caracas, Maracay, Mérida, Maracaibo, and Araya, but also other Latin American cities such as Panama, Lima, Porto Alegre, Rio de Janeiro, São Paulo, and Miami. I would choose the moment of twilight, a fleeting and transitional period, just when the sun has gone down and the lights of the cities begin to light up, when they give unusual, less obvious views. I call them 'anti-clichés'. I thus portrayed Rio de Janeiro from the Christ of Corcovado, turning my back on it and portraying the city’s port. Also, Lima from the coast to the Island of San Lorenzo, and Caracas in The Most Dangerous City in the World, specifically the largest slum in the city, Petare, from the Ávila mountain, a referential geographic icon that has always been the protagonist in the pictures and photos that have been taken of it. On that occasion, I did not portray the Ávila but what I could appreciate from there, this slum that all of us who have been to Caracas know from the highways that run next to it, but that we have rarely seen from a bird's eye view, from the mountain. I managed to access this point thanks to the fact that there is a small population in the El Ávila National Park called Santa Rosa, and despite the fact that only those who live there have access, I managed to climb up there to be able to take the photo in the late afternoon with complete ease, without fear of being robbed (which is a reality anywhere in Caracas and Venezuela). In that session, I took photos from dusk, however, the photo taken late at night was better. It was an exposure of several minutes (more than four) due to the large number of lights that illuminate the houses in the slum and the atmosphere created through the clouds and lights of the highway. Every time I show this photo to a Venezuelan, it always strikes me that nobody is able to identify this as Caracas, much less that as Petare, because naming Petare is synonymous with the image we have of it: seen in daytime, from a car speeding up the highway, or from so many reports and violent news that come out of there. Caracas has come to be classified for several consecutive years as the most dangerous city in the world. Perhaps it is incongruous that an image of Petare can be beautiful, and yet it is so thanks to distance (space) and light (exposure time).

 

Lights On was taken in the Henri Pittier National Park (the first national park created in Venezuela) in the Aragua State, from the dangerously narrow and curved roads that lead to the coastal town of Choroní, where I spent many seasons. The view is of the city of Maracay, where I lived during part of my childhood, and the mountains of San Juan de Los Morros in the background. These routes are usually traveled in a hurry, especially if you drive during the day, since public transport buses from Maracay go at high speed, with the sound of their horns rumbling with music at full volume through the mountains and signaling to the drivers ahead that they must step aside to let them pass. With this speed, euphoria and tension one must drive through a lush landscape in a rush, which always left me wanting to stop to better contemplate the view of my childhood city. I felt that speed and haste took away the chance to stop to observe, contemplate, and remember. There are no viewpoints or rest points where you can appreciate the landscape on this road that was built during the Marcos Pérez Jiménez dictatorship by prison inmates, many of whom perished during the arduous tasks. I finally managed to park my car one afternoon on the side of the road and I was taking photos for half an hour, several long exposures of several minutes, just at the moment when the lights of Maracay lit up in the distance. It was a time when there was little flow of vehicles and yet taking photos there was not very safe because of how exposed it was. A car that was coming down the road stopped a bit further from my car and fortunately my partner was able to start it immediately and I jumped in to run away as in a movie. I saw in the rearview mirror a man who got out of the car and took out what looked like a gun from his pants pocket… Fortunately I managed to capture my landscape, the mountains of the park and Maracay, without being the victim of a robbery.

 

Purple Haze was taken in São Paulo, from the Copan Building (Edifício Copán), one of the most emblematic works by Oscar Niemeyer in Brazil. I had been to the Mercosur Biennial and passing through São Paulo, and managed to gain access to the building thanks to the people from Capacete who have an apartment there for artistic residences and they let me in to take photos one night. Again, I did not want to photograph this iconic place but the view that is perceived from there. Instead of capturing the city as a foreigner, I wanted to enter it as if I were an inhabitant. I was able to place myself in the eaves of the building to take the shots. To my surprise, the pollution created a lilac hue over the city; the camera managed to capture something that was not visible to the human eye. Many people confuse this photo with Caracas, and it is true that both cities share a similar style of architecture in those concrete buildings built in the 60s, 70s and 80s, only that São Paulo is about ten times larger and more populated than Caracas. In fact, a characteristic of this enormous city, which can be somewhat overwhelming, is that you cannot perceive the horizon, from almost any point in the city. That is how big and dense this city is.

 

 

In all three photographs, light and horizon occupy a large section of the image. At the same time, there are three very different representations of the horizon: a clear sky, a cloudy one, and one at night. Could you tell us about the formal decisions you made when shooting these photographs?

 

 

The premise in this series was to take each shot from a high vantage point and with sufficient distance from the landscape, at sunset, just at the end of the day and beginning of the night. In all three cases, the idea was that the photo session would last between half an hour and an hour in total, each photo lasting several minutes, allowing the light capture to be long enough for the atmosphere and light to be blurred. The image is of at least half of the photo made up of the city and the other half made up of the sky, except in the case of Lights On, where the landscape makes up about a third of the image and extends a little towards the middle through the clouds, which serve as a transition to the clearer sky. All of these formal decisions are conscious, although more instinctive than rational. I don't get to work my sessions thinking about composing each photo with exact measure, since the compositions always depend on each physical and lighting situation. I frame, I look through the viewfinder and when I see that the image works visually, I fix the camera and capture. One part is a bit random, because I never know what results I will have when setting the light for several minutes, this is part of the unpredictable magic of long exposures.

 

 

In a recent interview, you talk very beautifully about your interest in the environment, ecology, and microorganisms. Although these photographs focus on views of cities, they also share the picture with the mountains, the sky, and the atmosphere. Could you expand on the ecological reading in these photographs? How do you see the relationship between the city and nature?

 

 

In the case of the photos taken in Venezuela, my appreciation for the city comes thanks to the existence of the El Ávila and Henri Pittier National Parks and that, thanks to them, I have been able to enjoy nature in my country of origin. Although I have always been a city person, I am nurtured and inspired by my natural environment. Living and enjoying life in Caracas was only possible thanks to the proximity to El Ávila and the chance to go to the rivers and beaches of Choroní. It is as if the greatness of the landscape and nature helped us to accept the harsh social reality: seeing Petare in that way was only possible from El Ávila, just as the nobleness of the Maracay landscape was perceptible from the dangerous curves of Henri Pittier. In Lights On and Purple Haze, the atmospheric pollution is very noticeable, and it imbues a certain air of sadness, romanticism or what anybody wants to feel, in the image. In a broader sense, when we understand that absolutely everything in this world and in the universe is interconnected, we also understand that we are the result of the evolution of nature, and cannot exist without it. We allow cities to grow indiscriminately and pollution to increase without any consideration for the ecosystems that we are destroying during the process. We passively watch this usurpation of nature, somewhat helplessly. Tarkovsky said: “… we depend on nature. Nature is more important than us because we are the result of its evolution. So I think that neglecting it in an emotional, artistic sense is criminal. It may not be criminal, but it is stupid because it is the only place where we can perceive the truth.” The contemplation of the urban landscape is only possible thanks to the distance and protection provided by nature.

 

 

Landscape has a long history in the context of the Americas, specifically with the traveling artists of the 18th century. How do you see The Most Dangerous City in the World, Purple Haze and Lights on in relation to this complex history? How do you immerse yourself, if at all, in concepts of the picturesque and the sublime with these works?

 

 

I was very inspired by the Venezuelan painters of the Círculo de Bellas Artes, who in turn were influenced by those foreign painters and naturalists who passed through Venezuela between the 18th and 19th centuries: Alexander Von Humboldt, Anton Goering and Ferdinand Bellerman, especially. It takes a certain distance from the environment to take an interest and explore it in depth, and this happened with the arrival of the foreign explorers and naturalists belonging to the romantic movement, who valued landscape and nature as channels to approach the sublime and the greatness of existence. When Humboldt arrived in Caracas he asked how one could climb the Ávila and none of his hosts knew how to because nobody had even considered going up the mountain, much less to its highest point, the Naiguatá Peak. A foreigner had to come, with a romantic vision and perspective of the world, for the locals to start looking at their immediate surroundings in a different way. It is these European explorers and naturalists who taught us to value the beauty of nature, to seek sublime meaning in it to elevate the spirit. For me, that connection with beauty and its ability to sublimate harsh reality, inequality and the intrinsic violence in cities are an important part of this work. Beyond their role as historical records, I am interested in these images as an invitation to discover the landscape as a connection with the sublime, recognizing their 'retinal' Duchampian value, as well as their symbolic value in relation to our contemporary cultures. When contemplating these landscapes, I imagine what it would have been like to see them through time: in their natural state, before the arrival of human beings, at the time of indigenous populations, at the arrival of the Spanish colonizers and after foreign explorers. I imagine Henri Pittier and Humboldt dazzled by the geography and tropical light, Bellerman remembering the Venezuelan landscape from his old age in Germany. I imagine the past and I wonder if they have also imagined how these landscapes would change in the future and I imagine these works as windows in time, reversible between past, present and future.

 

 

To conclude, could you tell us about these works within the broader context of your artistic practice?

 

I can understand and accept these works as part of a whole, part of my vision of the world as a multicultural woman, predominantly Latina and of the 21st century. I feel that the photos of landscapes that I take are a reflection of my own self, a unique and unrepeatable vision, a kind of self-portrait. Although they do not reflect my body, they are from my mind and body, since it is through it and my sight that I am able to capture these images. These photos place me in the time and space in which I lived and where I passed, they were instruments to perceive and understand my environment, to help me locate myself spatially in my physical context, and to accept my connection with the land and Latin American cultures, and now they are a reminder and a kind of marker of time. That's how I see the world and that's how I want to remember it. If I were to make a timeline or a movie of my life, it would be made up of all the works that I have created and that I am going to create, because they faithfully reflect my vision of the world and my time in this life.

 

 

Interview conducted by Madeline Murphy Turner, The Marica and Jan Vilcek Fellow, for the Cisneros Research Institute for the Study of Art from Latin America, The Museum of Modern Art, New York.

 

 

__

 

 

En mayo pasado, hablé con Madeline Turner, del Instituto de Investigación Cisneros del Museo de Arte Moderno de Nueva York, sobre tres de mis fotografías que entraron en la colección del MoMA como parte del obsequio de arte contemporáneo latinoamericano donado por Patricia Phelps de Cisneros en 2017: La ciudad más peligrosa del mundo, Purple Haze y Lights On.

 

Dirigido por Inés Katzenstein, el Instituto de Investigación Cisneros es una plataforma dedicada a estimular, apoyar y difundir nuevas interpretaciones del arte moderno y contemporáneo latinoamericano en relación con cuestiones culturales más amplias dentro de un contexto global.

 

La siguiente entrevista se realizó originalmente en español.

 

 

 

Para comenzar, me gustaría pedirte si podrías hablarme sobre cómo concebiste The Most Dangerous City in the World, Purple Haze y Lights on. ¿Qué te inspiró a hacer la serie Crepuscular? ¿Las tres imágenes son de Caracas? ¿Cómo lograste tomarlas?

 

Comencé a hacer fotos en el 2004, con el autorretrato y temas autobiográficos como motivaciones principales. En el 2006 conozco en Madrid al que llegará a ser mi maestro, amigo y mentor, el fotógrafo alemán Axel Hütte, y gracias en gran parte a su influencia, empecé a interesarme en la fotografía de paisajes, sobre todo en los paisajes nocturnos y urbanos. Gracias a su consejo y ayuda, en el 2009 adquiero una cámara digital de mediano formato Phase One 645DF y comienzo a realizar fotografías nocturnas y de paisajes que me permiten imprimir, si bien no a gran escala, a un tamaño relativamente grande y de gran calidad (90 x 120 cm). Me interesaba la posibilidad de retratar mi ciudad en aquel entonces, Caracas, y explorar el paisaje, tema que había perdido interés en la escena del arte contemporáneo venezolano, a pesar de que fue el tema recurrente de los pintores del Círculo de Bellas Artes Caracas a comienzos del Siglo XX y sobre todo de su más importante exponente, Armando Reverón. Decidí investigar no solo a Caracas sino aquellas ciudades por las que transitaba para explorar y repensar el paisaje contemporáneo, posicionándome desde puntos inusuales con la intención de encontrar nuevas vistas urbanas para ofrecer así una nueva interpretación y perspectiva de ellas. Con este enfoque abordé no solo varias ciudades de Venezuela como Caracas, Maracay, Mérida, Maracaibo y Araya, sino también en otras ciudades latinoamericanas como Panamá, Lima, Porto Alegre, Rio de Janeiro, São Paulo, y Miami. Escogía el momento del crepúsculo, circunstancia fugaz y de transición, justo cuando se ha ocultado el sol y empiezan a encenderse las luces de las ciudades, cuando se dan vistas poco usuales, menos obvias. Las llamo ‘anti-clichés’. Así retraté Rio de Janeiro desde el Corcovado, dándole la espalda a éste y retratando el puerto de la ciudad. También Lima desde la costa hacia la Isla de San Lorenzo. Y Caracas en La ciudad más peligrosa del mundo (The Most Dangerous City in the World), específicamente al barrio más grande de la ciudad, Petare, desde la montaña El Ávila, icono geográfico referencial que ha sido siempre la protagonista en los cuadros y fotos que de ella se han hecho. En esa ocasión no retraté al Ávila sino lo que desde allí puedo apreciar, esta barriada que todos los que hemos estado en Caracas conocemos desde las autopistas que la recorren lateralmente, pero que muy pocas veces hemos visto a vuelo de pájaro, desde la montaña. Logré acceder a este punto gracias a que existe una pequeña población en el Parque Nacional El Ávila llamada Santa Rosa, y a pesar de que solo los que habitan allí tienen acceso, logré subir para poder tomar la foto a finales de la tarde con toda tranquilidad, sin temor a un robo (que es una realidad en cualquier lugar de Caracas y Venezuela). En esa sesión hice fotos desde el atardecer, sin embargo, resultó mejor la foto tomada ya entrada la noche, en una exposición de varios minutos (más de cuatro) por la gran cantidad de luces que iluminan las viviendas de la barriada y la atmósfera creada por las nubes y luces de la autopista. Cada vez que muestro esta foto a un venezolano siempre me llama la atención de que no son capaces de identificar que es Caracas y mucho menos, de que se trata de Petare, porque nombrar Petare es sinónimo de la imagen que tenemos: diurna, desde el carro que recorre la autopista a gran velocidad, o de tantos reportajes y noticias violentas que salen desde allí. Caracas ha llegado a ser catalogada por varios años consecutivos como la ciudad más peligrosa del mundo. Quizás es incongruente que una imagen de Petare pueda ser hermosa y, sin embargo, lo es gracias a la distancia (el espacio) y la luz (tiempo de exposición).  

 

Lights On fue tomada en el Parque Nacional Henri Pittier (el primer parque nacional creado en Venezuela) en el Estado Aragua, desde los caminos peligrosamente angostos y curvos que conducen hacia la población costera de Choroní, donde pasé muchas temporadas. La vista es de la ciudad de Maracay, donde viví parte de mi infancia, y las montañas de San Juan de Los Morros de fondo. Estas vías usualmente se recorren con mucha prisa, sobre todo si se maneja de día, debido a que los autobuses de transporte público provenientes de Maracay van a alta velocidad, con el sonido de sus bocinas retumbando con música a todo volúmen por la montaña y señalando a los conductores de adelante que deben hacerse a un lado para que ellos puedan pasar. Con este apuro, euforia y tensión uno debe manejar por un paisaje exuberante con una prisa que siempre me dejaba con ganas de detenerme a contemplar mejor la vista hacia mi ciudad de la infancia. Sentía que la velocidad y la premura nos quitaban la posibilidad de detenernos a observar, contemplar, y recordar. No existen miradores ni puntos de descanso donde se pueda apreciar el paisaje en esta vía que fue construida durante la dictadura de Marcos Pérez Jiménez por los reos de las cárceles, muchos de los cuales perecieron durante arduas faenas. Logré por fin estacionar mi carro una tarde a un costado de la vía y estuve haciendo fotos por una media hora, varias exposiciones largas de varios minutos, justo en el momento en que las luces de Maracay se encendían en la distancia. Era una hora en la que había poco flujo de vehículos y sin embargo estar tomando fotos ahí no era muy seguro por lo expuesta que estaba. Un carro que venía bajando por la carretera se detuvo más allá de mi carro y afortunadamente mi compañero pudo encenderlo inmediatamente y yo me lancé veloz dentro de él para huir como en una película. Ví por el retrovisor a un hombre que se bajaba del carro sacaba del bolsillo de su pantalón lo que parecía una pistola… Afortunadamente logré captar mi paisaje, las montañas del parque y Maracay, sin ser víctima de un robo.  

 

Purple Haze fue tomada en São Paulo, desde el Edifício Copán, una de las obras de Oscar Niemeyer más emblemáticas de todo Brasil. Había estado en la Bienal de Mercosur y pasando por São Paulo, logré acceder al edificio gracias a la gente de Capacete que tiene un apartamento allí para residencias artísticas y me dejaron entrar a tomar fotos una noche. De nuevo, no quise fotografiar este lugar icónico sino la vista que desde allí se percibe. En vez de capturar la ciudad como una extranjera, me quise adentrar en ella como si fuese su habitante. Pude colocarme en los aleros del edificio para hacer las tomas. Para mi sorpresa, la contaminación creó una capa tono lila sobre la ciudad; la cámara logró capturar algo que no era visible al ojo humano. Mucha gente confunde esta foto con Caracas, y es cierto que ambas ciudades comparten un estilo similar de arquitectura en esos edificios de concreto construidos en los 60s, 70s y 80s, solo que São Paulo es como diez veces más grande y poblada que Caracas. De hecho, una característica de esta enorme ciudad, que puede resultar algo agobiante, es que no se puede percibir el horizonte, desde casi ningún punto de la ciudad. Así de grande y densa es esta urbe.    

 

 

En las tres fotografías, la luz y el horizonte ocupan una gran parte del espacio. A la vez, son tres representaciones del horizonte muy distintas: un cielo claro, uno nublado y otro de noche. ¿Nos podrías hablar de las decisiones formales que tomaste en la realización de estas obras?

 

La premisa en esta serie era la de hacer cada toma desde un punto alto y con suficiente distancia del paisaje, a la hora del atardecer, justo al finalizar el día y comenzar la noche. En los tres casos, la idea era que la sesión de fotos durara entre media hora y una hora en total, cada foto siendo de varios minutos, dejando que la captura de luz fuese lo suficientemente larga para que la atmósfera y la luz quedasen difuminados. La imagen es de al menos la mitad de la foto compuesta por la ciudad y la otra mitad compuesta por el cielo, excepto en el caso de Lights On, donde el paisaje compone aproximadamente un tercio de la imagen y se extiende un poco hacia la mitad a través de las nubes, que sirven de transición hacia el cielo más claro. Todas estas decisiones formales son conscientes, aunque más instintivas que racionales. No llego a trabajar mis sesiones pensando en componer con medida exacta cada foto, ya que las composiciones dependen siempre de cada situación física y lumínica. Encuadro, miro a través del visor y cuando veo que la imagen funciona visualmente, fijo la cámara y realizo la captura. Una parte queda un poco al azar, porque nunca sé qué resultados tendré al fijar la luz durante varios minutos, esto es parte de la magia impredecible de las largas exposiciones.

 

 

En una reciente entrevista, hablas de un modo muy lindo sobre tu interés en el medio ambiente, la ecología y los microorganismos del mundo. Aunque estas fotografías se centran en las vistas de unas ciudades, también comparten el marco con las montañas, el cielo y la atmósfera. ¿Podrías desarrollar la lectura ecológica en estas fotografías? ¿Cómo entiendes la relación entre la ciudad y la naturaleza?

 

En el caso de las fotos tomadas en Venezuela, la apreciación de la ciudad viene gracias a la existencia de los Parques Nacionales El Ávila y Henri Pittier y a que, gracias a ellos, he podido disfrutar de la naturaleza en mi país de origen. Si bien he sido siempre una persona citadina, me nutro y me inspiro enormemente de mi entorno natural. Haber vivido y disfrutado la vida en Caracas solo era posible gracias a la cercanía con El Ávila y a la posibilidad de ir a los ríos y playas de Choroní. Es como si la grandeza del paisaje y la naturaleza nos ayudaran a aceptar la dura realidad social: ver hacia Petare de esa manera solo era posible desde El Ávila, así como la nobleza del paisaje de Maracay era perceptible desde las curvas peligrosas del Henri Pittier. En Lights On y Purple Haze es muy notable la contaminación atmosférica, y ésta impregna de un cierto aire de tristeza, romanticismo o lo que cada quien sienta, a la imagen. En un sentido más amplio, cuando comprendemos que absolutamente todo en este mundo y en el universo está interconectado, entendemos también que somos el resultado de la evolución de la naturaleza, y no podemos existir sin ella. Dejamos que las urbes crezcan indiscriminadamente y que la contaminación aumente sin ningún tipo de consideración a los ecosistemas que vamos destruyendo durante el proceso. Asistimos pasivamente a esa usurpación de la naturaleza, un tanto impotentes. Tarkovsky dijo: “…dependemos de la naturaleza. La naturaleza es más importante que nosotros porque somos el resultado de su evolución. Por eso creo que descuidarla en un sentido emocional, artístico, es criminal. Quizás no sea criminal, pero sí estúpido porque es el único lugar donde podremos percibir la verdad.” La contemplación del paisaje urbano solo es posible gracias a la distancia y resguardo que proporciona la naturaleza.

 

 

El paisaje tiene una larga historia en el contexto de las Américas, específicamente con los artistas viajeros del siglo XVIII. ¿Cómo entiendes The Most Dangerous City in the World, Purple Haze y Lights on en relación con esta historia compleja? ¿Cómo te metes, si lo haces, con los conceptos de lo pintoresco y lo sublime en estas obras?

 

Me inspiré mucho en los pintores venezolanos del Círculo de Bellas Artes, quienes a su vez fueron influenciados por aquellos pintores y naturalistas extranjeros que pasaron por Venezuela entre los Siglos XVIII y XIX: Alexander Von Humboldt, Anton Goering y Ferdinand Bellerman, sobre todo. Se necesita una cierta distancia del entorno para interesarse y explorarlo a fondo, y eso sucedió con la llegada de los exploradores y naturalistas extranjeros pertenecientes al movimiento romántico, quienes valoraban el paisaje y la naturaleza como canales para aproximarse a lo sublime y a la grandeza de la existencia. Cuando Humboldt llegó a Caracas preguntó cómo subir el Ávila y ninguno de sus anfitriones supo decirle cómo porque nadie se había siquiera planteado subir a la montaña ni mucho menos a uno de sus puntos más altos: la Silla de Caracas. Tuvo que venir un extranjero, con una visión y perspectiva románticas del mundo, para que los locales empezaran a mirar su entorno más próximo de una manera diferente. Son estos exploradores y naturalistas europeos quienes nos enseñaron a valorar la belleza y la sabiduría intrínseca de la naturaleza, a buscar el sentido sublime en ella para elevar el espíritu. Para mí esa conexión con la belleza y su capacidad de sublimar la dura realidad, la desigualdad y la violencia inherente de las urbes son parte importante de este trabajo. Más allá de ser registros históricos, me interesa que estas imágenes sean una invitación a descubrir en el paisaje una conexión con lo sublime, reconociendo su valor ‘retinal’ Duchampiano, así como su valor simbólico en relación a nuestras culturas contemporáneas. Al contemplar esos paisajes imagino cómo habrá sido verlos a través del tiempo: en su estado natural, antes de la llegada del ser humano, en la época de las poblaciones indígenas, a la llegada de los colonizadores españoles y luego de los exploradores extranjeros. Imagino a Henri Pittier y a Humboldt deslumbrados por la geografía y la luz tropical, a Bellerman recordando el paisaje venezolano desde su vejez en Alemania. Imagino el pasado y me pregunto si ellos también habrán imaginado cómo irían a cambiar esos paisajes en el futuro y me imagino estas obras como ventanas en el tiempo, reversibles entre pasado, presente y futuro.

 

 

Para terminar ¿nos podrías hablar de estas obras en el contexto más amplio de tu práctica artística?

 

Puedo comprender y aceptar estas obras como parte de un todo, parte de mi visión del mundo como mujer multicultural, predominantemente latina y del siglo XXI. Siento que las fotos que hago de paisajes son un reflejo de una visión propia, única e irrepetible, una especie de autorretrato. Aunque no reflejen mi cuerpo, son de mi mente y cuerpo, ya que es a través de él y de mi vista, que logro capturar estas imágenes. Estas fotos me ubican en el tiempo y el espacio en los que habité y por donde pasé, fueron instrumentos para percibir y comprender mi entorno, para ayudarme a ubicarme espacialmente en mi contexto físico, y aceptar mi conexión con la tierra y culturas latinoamericanas, y ahora son un recordatorio y una especie de marcadores en el tiempo. Así veo el mundo y así lo quiero recordar. Si hiciera una línea del tiempo o una película de mi vida, ésta estaría compuesta por todas las obras que he creado y que voy a crear, porque ellas reflejan fielmente mi visión del mundo y mi paso por esta vida.

 

 

Entrevista realizada por Madeline Murphy Turner, The Marica y Jan Vilcek Fellow, para el Instituto de Investigación Cisneros para el estudio del arte de América Latina, Museo de Arte Moderno de Nueva York. 

 

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