- 27 abr 2019

Under Construction. Relatos desde Latinoamérica en la Colección CIFO

[Versión en Español mas abajo]

Under Construction. Latin America Narratives in the CIFO Collection, is an exhibition featuring works by 18 Latin-American artists, winners of previous editions of the CIFO Grants and Commissions Program. The exhibition – curated by CIFO - coincides with ART.MO, Contemporary Art Festival presented by FUGAZ Arte de Convivir and is on view from April 27 through July 27, 2019.

Under Construction. Latin America Narratives in the CIFO Collection features works by artists from different countries of Latin America:

Carlos Motta (Colombia)

Suwon Lee (Venezuela)

Begoña Morales (Peru/México)

Alicia Villarreal (Chile)

Julieta Aranda (México/Germany/USA)

Marta María Pérez Bravo (Cuba/México)

Iván Argote (Colombia)

Milena Bonilla (Colombia)

Adrian Regnier (México)

Silvia Gruner (México)

Carlos Castro (Colombia)

Maria Evelia Marmolejo (Colombia)

Felipe Meres (Brazil)

Juan Carlos Osorno (Colombia)

Lázaro A. Saavedra González (Cuba)

Horacio Zabala (Argentina)

Fredman Barahona (Nicaragua)

Víctor del Moral (México)

Narratives and Relativities

Text by Sergio Fontanella

Under Construction. Latin America Narratives in the CIFO Collection is a new project from the Cisneros Fontanals Foundation for the Arts (CIFO) in collaboration with the Fugaz | Arte de Convivir (Monumental Callao, Peru). The works seen here are the product of 18 artists recognized in various editions of the CIFO Grants and Commissions Program for Latin American artists. The purpose of this Program, which CIFO has been sponsoring for years, is to highlight the artists and the vital artistic production of a region that is constantly redefining itself. As a result, what we see here are unfinished stories, approaches to dissimilar realities that have no intention of dictating absolute truths, but rather of questioning them.

These Latin American narratives are constructed through the filtering and negation of symbols, of discoveries in the continual flux of identities. What is “Latin American” and what is narrated from Latin America are two categories that foster questions with multiple responses, like palimpsests composed of superimposed social and historical experiments. In recent generations, the artists of the region have been developing quests with a Universalist vocation, be it through the language of conceptualism or the use of the audiovisual in the guise of video art, performance art, documentary, or the various hybrids of them all.

Nevertheless, in some cases – Suwon Lee, Fredman Barahona, Alicia Villarreal, Lázaro Saavedra – the autochthonous and the local become a phatic device, a provocation. This is the way they express their intention to use elements of local origin—the daily life of the Korean community in Venezuela, the symbolism of the machete in the rural communities of Nicaragua, the pretentious failed project of the Ochagavia Hospital in Chile, the counterpoising of elements fraught with significance and ideology in Cuba, such as “martyrs” and “golf.” Still, such elements raise questions that inundate and overwhelm the narrow conjunctural framework, and truly foster the analysis of a greater magnitude of problematics, along the lines of: the existential repositionings and identity crises entailed in emigration in the work of Suwon; the marginalization of minorities, particularly queer minorities, in the processes of adaptation and social struggle in the name of patriarchal cultural systems together with the prevalence of the macho as a paradigm, according to Fredman; the timely academic reflection upon and constructive criticism of diverse aspects of history in Alicia’s work; or the patenting of utopias and ideological pills as a tool governments use to mobilize and manipulate the masses, in Lázaro’s work.

Without indulging in absolutism, the perceptible essences here are a critique of history as a socio-philosophical construction or official story—Carlos Castro—who uses engravings by the European explorers of the Magdalena River in the 19th century to create detailed “engravings” in wood inspired in landscapes that no longer exist, reaffirming the sense of unreality with which the conquistadores themselves created and imposed a History with a capital H of the nations of America on the basis of Eurocentric paradigms and theories. In this way they become examples of tangential, inquisitorial narratives, as occurs in the Leningrad, Petrograd, Petersburg Series from 2006, in which Carlos Motta revisits a series of monuments from the zone of Communist domination of the former USSR, following the route of monuments published in a book from some fifty years ago. Motta pairs them with images of the same monument captured by his lens in the 21st century, where the evident passage of time and the architectural impact of the ideological drift are made palpable. The historical endeavor is not gratuitous here, but rather dissects the relevance of the monument as the physical mark of ideology, placing it face to face with itself in a dialogue with its diachronic reflection, and by means of a photographic essay it de-constructs and re-situates a historical document.

A sort of leitmotiv can be carved out through these works, consisting, in this case, of planting reasonable doubts in the viewer, who should feel the urge to scrutinize official narratives: whether they relate to queer identities and to the broader sense of otherness—as in the case of Fredman Barahona himself, or Felipe Meres, for whom the study of methods of asexual reproduction and the unraveling of biological categories on microscopic levels allow him to process reflections upon multiplicity and the legitimacy of gender identities, from the fullest diversity, and from acceptance. Just as the dichotomic concepts of lucidity/madness attain a critical definition in spaces of confinement, like the now abandoned madhouses and sanatoriums where Silvia Gruner develops her photographic study, En la oscuridad.

In terms of communication, three perspectives must be mentioned, those of María Evelia Marmolejo, Julieta Aranda, and Víctor del Moral. María Evelia and Aranda articulate prodigious critical studies of discursivities and the repetition of the message to the point of its being emptied of real content. In the case of Marmolejo, she works with oral discourse, bringing together a group of words tendentiously repeated by the mass media, until a sort of maddening collective paroxysm is produced. The artist uses this as a background for her performance, in which she incarnates a “doped” subject, lacking in will and volition, and plagued with limits, borders, prejudices, and a fraught vision of her surroundings. In contrast with the alarming context revealed by Marmolejo, Aranda develops a study of language in which she weaves, with pure sarcasm, a critique from the written word, taking her inspiration from the practical demonstration of a theory that holds that a monkey, placed before a typing instrument, in a period stretching to infinity, could at a given moment type out a literary work by Shakespeare, for example. A true fragment of arbitrariness in opposition to the intellectual conception of the act of writing, while winking its eye at Dada and Duchamp. In the meantime, del Moral takes recourse to the palindrome to expound on the essences of language, from its linguistic structures to its physicality, necessarily poeticized and with high doses of fictionalization and improvisation, but only as devices for the activation of content. All contents taken from language, intersecting at the points of identity, philosophy, and the various levels of communication— individual or collective. For Víctor, words, grammatical structures or spoken language, can have a concrete counterpart and hence they can be aestheticized. The video-poem we are showing here is the product of provocative experiences, of the interaction with stage sets that the artist himself creates and designs, and within which he develops his performances.

The diverse branches of science also constitute ideal platforms for elaborating artistic investigations. Among them, those of artists like Felipe Meres, by means of biology applied to the reproduction of certain species; as well as Adrian Regnier, who does a study of observation and documentation of celestial patterns that in the long run pay tribute to a musical staff or sound notation, marrying astronomy and musical creation; while Iván Argote takes his inspiration from the tree at Woolsthorpe Manor, in England, from which Isaac Newton unleashed his studies on gravity, and which allows Argote to establish a face-off between the notions of the rational and the poetic for the image in motion. In the case of Horacio Zabala, mathematical notation is the language employed as a metalinguistic vehicle, in his reflections on the very notion of the signifier and the signified, in the dichotomies between calculation and improvisation, the rational and the emotional, all aspects that contribute to designing a semiotics applied to reflexiveness from which to filter and submit its aesthetic and linguistic resources.

To a greater or lesser extent, the intention to create fictions spans the entire group of artists in Under Construction..., particularly in cases like that of Juan Carlos Osorno, who recreates instruments or failed inventions from different periods, which he converts into microfictions with a tragicomic flavor, along the lines of modern Icaruses always destined for the most ostentatious debacles; or in the case of Milena Bonilla, who observed and documented the behavior of the red deer, in the zone previously occupied by the Iron Curtain on the border between Germany and Czechoslovakia, for the purpose of identifying patterns of self- confinement and limitation among the deer, who for generations had learned not to cross certain borders; in this way her Enchanted Forest becomes a critical fable with innumerable interpretations in a period like the present, in which the sense of the border and of territoriality weighs so significantly upon human society.

The works of Marta María Pérez Bravo and Begoña Morales constitute one last fold of the narrative, in an appeal to the sensitivization and intensification of their own daily practices as narrative resources. For Marta María the intimacy, strength and delicacy of the repetitive movement of a hand combing a head of hair, or caressing another hand sculpted in ice, generate a literary image of signifiers through reiteration as a linguistic resource. The intentional contemplative sense thus produced in the viewer submerges us in a state of gradual self-reflexivity, in which this cyclical movement frees us from the superfluous and remits us to our own experiences. Evidence is displaced and appearance is diluted, as the ice inexorably melts. Begoña’s oeuvre similarly puts forth a sort of sound poem through which she draws a map of her own home by means of a recording of the sounds of its different spaces. Their everyday quality, and the way in which she subverts the categories of private and public, the contamination between the sounds of the surroundings outside and those that are produced inside the apartment, is also a method for questioning the relationships between the individual and the collective, and the “I,” the ego, shifting within essentially fluctuating social and historical dynamics.

UNDER CONSTRUCTION. RELATOS DESDE LATINOAMÉRICA EN LA COLECCIÓN CIFO.

La exhibición presenta obras de artistas premiados en diferentes ediciones del Programa de Becas y Comisiones CIFO y se lleva a cabo en Casa Fugaz en Monumental Callao, Perú.

Under Construction. Relatos desde Latinoamérica en la Colección CIFO, es una exhibición que reúne obras de 18 artistas latinoamericanos ganadores en diferentes ediciones del Programa de Becas y Comisiones CIFO. La exhibición - proyecto curatorial de CIFO - coincide con ART.MO, Festival de Arte Contemporáneo presentado por FUGAZ | Arte de Convivir y está abierta al público del 27 de abril al 27 de julio de 2019 en Casa Fugaz, en Monumental Callao, Perú.

Under Construction. Relatos desde Latinoamérica en la Colección CIFO incluye obras de artistas provenientes de diversos países de Latinoamérica:

Carlos Motta (Colombia)

Suwon Lee (Venezuela)

Begoña Morales (Peru/México)

Alicia Villarreal (Chile)

Julieta Aranda (México/Germany/USA)

Marta María Pérez Bravo (Cuba/México)

Iván Argote (Colombia)

Milena Bonilla (Colombia)

Adrian Regnier (México)

Silvia Gruner (México)

Carlos Castro (Colombia)

Maria Evelia Marmolejo (Colombia)

Felipe Meres (Brazil)

Juan Carlos Osorno (Colombia)

Lázaro A. Saavedra González (Cuba)

Horacio Zabala (Argentina)

Fredman Barahona (Nicaragua)

Víctor del Moral (México)

Relatos y relatividades

Texto de Sergio Fontanella

Under Construction. Relatos desde Latinoamérica en la Colección CIFO es un nuevo proyecto de la Fundación Para las Artes Cisneros Fontanals (CIFO) en colaboración con Fugaz | Arte de Convivir (Monumental Callao, Perú.) Las obras que reúne son de la autoría de 18 artistas premiados en diferentes ediciones del Programa de Becas y Comisiones para artistas latinoamericanos que CIFO viene auspiciando por años, con el fin de darle visibilidad a los artistas y a la producción artística vital de una región en constante redefinición. Se trata así de historias inconclusas, ensayos de disímiles realidades que no pretenden dictar verdades absolutas, sino cuestionarlas.

Los relatos latinoamericanos se construyen por decantación y negación de símbolos, de hallazgos en el constante decursar de las identidades. Lo “latinoamericano” y lo que se cuenta desde Latinoamérica son dos categorías que promueven cuestionamientos con múltiples respuestas, como ensayos sociales e históricos superpuestos a modo de palimpsestos. Los artistas de la región en las últimas generaciones han ido potenciando búsquedas de vocación universalista, ya sea a través de lenguajes conceptuales o desde la utilización del audiovisual en sus vertientes video-artística, documental, performática y sus diversas hibridaciones.

En ciertos casos, sin embargo, lo autóctono y lo local devienen recurso fático, provocación –Suwon Lee, Fredman Barahona, Alicia Villarreal, Lázaro Saavedra-. Manifiestan así la intención de utilizar elementos de origen local –la vida cotidiana de la comunidad coreana en Venezuela, el simbolismo del machete en las comunidades rurales en Nicaragua, el pretencioso proyecto fallido del Hospital Ochagavia en Chile, la contraposición de elementos cargados de significación e ideología en Cuba como “mártires” y “golf”-. Dichos elementos, sin embargo, elevan reflexiones que inundan y sobrepasan el estrecho marco coyuntural, y propician realmente el análisis sobre problemáticas de otra envergadura, tales como: los replanteamientos existenciales y crisis identitarias que acarrea la emigración en la obra de Suwon; la marginalización de las minorías, particularmente queer, en los procesos de conformación y luchas sociales en nombre de sistemas culturales patriarcales junto a la prevalencia del macho como paradigma según Fredman; la oportuna reflexión académica y la crítica constructiva a los diversos aspectos de la historia a partir de Alicia; o la patentización de utopías y píldoras ideológicas como herramienta de los gobiernos para movilizar y manipular las masas, a través de la obra de Lázaro.

Entre las esencias aquí apreciables, sin ánimo absolutista, están la crítica a la historia como construcción socio-filosófica o relato oficial –Carlos Castro-, quien emplea grabados de los exploradores europeos al río Magdalena en el siglo XIX para crear detallados “grabados” en madera inspirados en paisajes que ya no existen, y que cimentan así el sentido de irrealidad con que los propios conquistadores crearon e impusieron una Historia con mayúscula de las naciones americanas a partir de paradigmas y teorías euro-centristas. Se convierten así en ejemplos de relatos tangenciales, inquisidores. Tal es el caso de la Serie Leningrad, Petrograd, Petersburg, 2006 en que Carlos Motta revisita una serie de monumentos de la zona de dominación comunista de la antigua URSS, siguiendo la pista de monumentos publicados en un libro editado unos cincuenta años atrás, en pleno apogeo ruso-soviético. Cada fotografía histórica de las ilustradas en el libro, fue pareada por Motta con una imagen del mismo monumento capturada por su lente en pleno siglo XXI, donde el paso evidente del tiempo y las marcas arquitectónicas del devenir ideológico se hacen palpables. El ensayo histórico no es aquí gratuito, sino que disecciona la relevancia del monumento como marca física de la ideología, lo pone frente a sí mismo a dialogar con su reflejo diacrónico y a través del ensayo fotográfico de-construye y redimensiona un documento histórico.

Se puede cincelar, a partir de estas obras, una suerte de leitmotiv, que en este caso consiste en el asentar dudas razonables en el espectador, quien debería sentirse provocado al escrutinio de los relatos oficiales: así sean sobre las identidades queer y en sentido ampliado de las otredades –como en el propio caso de Fredman Barahorna, o en Felipe Meres, a quien el estudio de métodos de reproducción asexual y el desentrañamiento de categorías biológicas a niveles microscópicos le permiten gestionar reflexiones sobre la multiplicidad y legitimidad de las identidades de género, de la diversidad más plena y de la aceptación. Así como la lucidez/locura como conceptos dicotómicos que alcanzan una definición crítica en espacios de reclusión como manicomios, sanatorios, ahora abandonados, donde desarrolla Silvia Gruner su estudio fotográfico En la oscuridad.

En términos de comunicación, es necesario mencionar tres perspectivas, la de Maria Evelia Marmolejo, Julieta Aranda y Víctor del Moral. En María Evelia y en Aranda, se articulan sendas investigaciones críticas sobre discursividades y la repetición del mensaje hasta ser vaciado de contenido real. En el caso de la Marmolejo, trabaja con el discurso oral, reuniendo un grupo de palabras tendenciosamente repetidas por los medios de comunicación masiva, hasta crear una suerte de paroxismo colectivo y desquiciante que la artista usa como background de su performance, en que encarna un sujeto “dopado”, privado de voluntad y albedrío, y plagado de límites, bordes, prejuicios y con una visión lastrada del entorno. Ante el alarmante contexto que acusa Marmolejo, desarrolla Aranda un estudio de lenguaje, en que teje con depurado sarcasmo una crítica desde el lenguaje escrito, inspirado en la demostración práctica de una teoría que considera que un mono, ante un instrumento mecanográfico, en un intervalo que tiende al infinito, podría al cabo de cierto tiempo mecanografiar una obra literaria, por ejemplo, de Shakespeare. Un auténtico destajo de arbitrariedad que se opone a la concepción intelectual del acto de la escritura, al tiempo que hace un guiño a Dadá y Duchamp.

En tanto, del Moral parte del recurso del palíndromo para versar sobre esencias del lenguaje, de sus estructuras lingüísticas en su concreción física, necesariamente poetizada y con altas dosis de ficcionalización e improvisación, pero solo como recursos de activación de contenidos. Contenidos todos del lenguaje, que se tocan con aspectos de identidad, filosofía y los diferentes niveles de la comunicación -individual o colectiva-. Para Víctor, las palabras, las estructuras gramaticales o el idioma, pueden tener una contraparte concreta y por tanto son susceptibles de ser estetizados. El video-poema suyo que exhibimos aquí, surge de experiencias provocadoras, de la interacción con escenografías que el propio artista crea y diseña y con las cuales desarrolla sus performances.

Las ramas diversas de la ciencia constituyen también plataformas ideales para explayar investigaciones artísticas. Entre ellas las de artistas como el propio Felipe Meres, a través de la biología aplicada a la reproducción de ciertas especies; también Adrian Regnier, quien realiza un estudio de observación y documentación de patrones celestiales que eventualmente tributan a un pentagrama o notación sonora maridando astronomía y creación musical; mientras Iván Argote se inspira en el árbol en Woolsthorpe Manor, Inglaterra del que Isaac Newton desencadenara sus estudios sobre la gravedad, y que le sirve a Argote para establecer un careo entre las nociones de lo racional y lo poético de la imagen en movimiento. En el caso de Horacio Zabala, la notación matemática es el lenguaje empleado como vehículo metalingüístico, en sus reflexiones sobre el significante y significado mismo, en sus dicotomías entre el cálculo y la improvisación, lo racional y lo emotivo, aspectos todos que contribuyen a perfilar una semiótica aplicada a la reflexividad desde la que filtra y somete sus recursos estéticos y de lenguaje.

En mayor o menor medida, la intención de ficcionalizar atraviesa la nómina de artistas de Under Construction..., en particular en casos como el de Juan Carlos Osorno, quien recrea instrumentos o invenciones fallidas desarrolladas en diferentes épocas, que convierte en pequeñas historietas de sabor tragicómico, a la manera de modernos “Ícaros” continuamente condenados al más pomposo descalabro; o en el caso de Milena Bonilla, quien observó y documentó el comportamiento del venado rojo, en la zona que otrora ocupara la Cortina de Hierro en la zona fronteriza entre Alemania y Checoslovaquia, con el fin de identificar patrones de auto-reclusión y limitación entre los venados, que por generaciones aprendieron a no cruzar ciertas fronteras; así su Bosque Encantado se convierte en una fábula crítica de innumerables interpretaciones, en una época como la actual, donde el sentido de la frontera y la territorialidad lastran de modo significativo a la sociedad humana.

En una última tesitura del relatar se sitúan las obras de Marta María Pérez Bravo y Begoña Morales, quienes apelan a un sentido de sensibilización y agudización de su propia cotidianidad como recursos narrativos. En Marta María el intimismo, la fuerza y la delicadeza del movimiento repetitivo de una mano que peina una cabellera, o que acaricia a otra mano esculpida en hielo, generan una imagen literaria de significantes a través de la reiteración como recurso lingüístico. La intencional contemplatividad que produce nos sumerge en un estado de auto-reflexividad paulatino, en que el espectador se va librando, a través del movimiento cíclico, de lo superfluo y se remonta de algún modo a sus propias vivencias. Lo evidente se desplaza y lo aparencial se diluye, mientras el hielo se derrite inexorablemente. Otro tanto promueve Begoña con su obra, una suerte de poema sonoro a través del cual diseña un mapa de su propio hogar a través de la grabación de los sonidos en los diferentes espacios. Su cotidianeidad, y la manera en que subvierte las categorías de lo privado y lo público, la contaminación entre los ruidos que provienen del entorno y los que se producen en el interior del apartamento, es un método también para cuestionar las relaciones entre individuo y colectividad, y el “yo” dentro de dinámicas sociales e históricas esencialmente fluctuantes.